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Charla «David Binder: La revolución de los festivales de arte» de TEDGlobal 2012 en español.
David Binder es un gran productor de Broadway, pero el verano pasado se encontraba en un pequeño barrio australiano viendo a los vecinos bailar y actuar en sus jardines, y disfrutándolo. Él nos muestra la nueva cara de los festivales de arte, que traspasan la línea entre público y actor y ayuda a que las ciudades se expresen por sí mismas.
- Autor/a de la charla: David Binder
- Fecha de grabación: 2012-06-26
- Fecha de publicación: 2012-11-16
- Duración de «David Binder: La revolución de los festivales de arte»: 546 segundos
Traducción de «David Binder: La revolución de los festivales de arte» en español.
Sídney.
Toda mi vida había estado esperando poder ir a Sídney.
Llegué al aeropuerto, al hotel, me registré y allí sentado en el vestíbulo vi un folleto del Festival de Sídney.
Lo hojeé y encontré un espectáculo llamado «Minto: en vivo».
La descripción decía: «Las calles suburbanas de Minto se convierten en el escenario de actuaciones creadas por artistas internacionales en colaboración con la gente de Minto».
¿Qué lugar era Minto? Sídney, como aprendería, es una ciudad de suburbios, y Minto está en el suroeste, a una hora de camino.
Debo decir que no era precisamente lo que tenía en mente para mi primer día en Australia.
Pensé en ir al Puente de la Bahía o a Bondi Beach, ¿pero Minto? Aun así, soy productor, y el atractivo de un proyecto teatral local era irresistible.
[Risas] Me sumergí en el tráfico de viernes por la tarde y nunca olvidaré lo que vi al llegar allí.
Para la actuación, el público paseaba por el barrio de una casa a otra, y los vecinos, que eran los actores, salían de sus casas y realizaban unos bailes autobiográficos en sus jardines y entradas de sus casas.
[Risas] El espectáculo es una colaboración con Lone Twin, una compañía teatral con sede en el Reino Unido.
Lone Twin vino a Minto y trabajó con los residentes y ellos habían creado estos bailes.
Esta chica aborigen salió y empezó a bailar en su jardín delantero, y su padre se asomó a la ventana para ver a qué venía tanto ruido y alboroto y enseguida se unió a ella, y luego se les unió la más pequeña.
Pronto estaban todos bailando alegre y exuberantemente en su jardín.
[Risas] Y mientras caminaba por el barrio, me asombraba y me conmovía el increíble sentido de identidad que esta comunidad claramente sentía por este evento.
«Minto: en vivo» entabló el diálogo entre la gente de Sídney y artistas internacionales para celebrar la diversidad de Sídney a su manera.
El Festival de Sídney que produjo «Minto: en vivo», representa un nuevo tipo de festival de arte del siglo XXI.
Estos festivales son radicalmente abiertos.
Pueden trasformar ciudades y comunidades.
Para entenderlo, tiene cierto sentido ver de dónde hemos venido.
Los festivales de arte moderno nacieron tras la 2º Guerra Mundial.
Los líderes cívicos crearon estos festivales anuales para ensalzar la cultura como la mayor expresión del espíritu humano.
En 1947, nació el Festival de Edimburgo y nació Avignon y otros cientos seguirían su estela.
El trabajo que realizaban era arte con mayúsculas y llegaron estrellas como Laurie Anderson, Merce Cunningham y Robert Lepage que facilitaron esta revolución, con exhibiciones como «El Majábharata» y la monumental «Einstein en la Playa».
Pero al paso de las décadas, estos festivales se institucionalizaron y mientras la cultura y el capital se activaron, internet nos unió, el estatus desapareció y emergió un nuevo tipo de festival.
Los antiguos festivales seguían prosperando, pero, desde Brighton pasando por Río hasta Perth, emergía algo nuevo y estos festivales eran muy diferentes.
Son abiertos porque, como en Minto, comprenden que el diálogo entre lo local y lo global es esencial.
Son abiertos porque piden al público que sea un actor, un protagonista, un compañero, en lugar de un espectador pasivo, y son abiertos porque saben que la imaginación no puede encerrarse en edificios y mucho del trabajo que hacen es local o al aire libre.
Así que los festivales nuevos piden al público que jueguen un papel esencial en la actuación.
Compañías como De La Guarda, que yo produzco, y Punchdrunk crean estas experiencias de inmersión completa que ponen al público en el centro de la acción.
Pero la compañía teatral alemana Rimini Protokoll lleva todo esto a un nivel totalmente novedoso.
En una serie de actuaciones que incluyen «100% Vancouver» y «100% Berlín», Rimini Protokoll hace espectáculos que reflejan la sociedad.
Rimini Protokoll elige 100 personas que representan esa ciudad en ese momento en términos de raza, sexo y clase a través de un proceso que comienza tres meses antes y luego, esas 100 personas comparten historias sobre ellos y sus vidas, y todo se convierte en una instantánea de la ciudad en ese momento.
LIFT siempre ha sido pionero en el uso de lugares de actuación.
Entienden que el teatro y la actuación pueden ocurrir en cualquier parte.
Puedes hacer una obra en una clase, en un aeropuerto, [Risas] en el escaparate de grandes almacenes.
Los artistas son exploradores, ¿quién mejor para redescubrirnos una ciudad? Pueden llevarnos a una remota parte de la ciudad que no hemos explorado, o meternos en ese edificio por el que pasamos a diario pero en el que nunca entramos.
Un artista, creo, puede mostrarnos de verdad a la gente que podemos pasar por alto en nuestras vidas.
Back to Back es una compañía australiana de personas con discapacidad intelectual.
Vi su impresionante espectáculo en Nueva York en la terminal del ferry de Staten Island en hora pico.
Al público nos dieron auriculares y nos dieron asiento en un lado de la terminal.
Los actores estaban justo frente a nosotros, justo entre los viajeros y podíamos oírlos, pero por lo demás podíamos no verlos.
Así que Back to Back hace teatro local y lo utiliza para recordarnos sutilmente quién y qué escogemos suprimir de nuestra vida diaria.
Así que el diálogo con lo local y lo global, el público como partícipe, actor y protagonista, el uso innovador de los lugares; todo esto entra en juego en el asombroso trabajo de la fantástica compañía francesa Royal de Luxe.
Las marionetas gigantes de Royal de Luxe van a una ciudad y viven allí por unos días.
Para «El Elefante del Sultán», Royal de Luxe llegó a Londres central y lo paralizó con su historia de una niña gigante y su amigo, un elefante que viaja en el tiempo.
Durante unos días, transformaron una ciudad enorme en una comunidad donde reinaban posibilidades infinitas.
The Guardian escribió: «Si el arte es sobre transformación, entonces no puede haber experiencia más transformativa».
Lo que representa «El Elefante del Sultán» no es menos que una ocupación artística de la ciudad y una recuperación de las calles para la gente».
Podemos hablar del impacto económico de estos festivales en sus ciudades, pero tengo más interés en muchas otras cosas, sea cómo un festival ayuda a una ciudad a expresarse, sea cómo le permite seguir su propio camino.
Los festivales promueven la diversidad, propician el diálogo entre vecinos, incrementan la creatividad, ofrecen oportunidades al orgullo cívico, mejoran nuestro bienestar psicológico general.
En resumen, hacen que las ciudades sean mejores lugares para vivir.
Caso ilustrativo: cuando «El Elefante del Sultán» llegó a Londres, justo nueve meses después del 7/7, un londinense escribió: «Por primera vez desde el bombardeo de Londres, mi hija me llamó con ese brillo en la voz.
Se habían reunido unos cuantos para ver «El Elefante del Sultán», y, ya saben, hizo toda la diferencia».
Lyn Gardner escribió en The Guardian, que un gran festival puede mostrarnos un mapa del mundo, un mapa de la ciudad y un mapa de nosotros mismos, pero no existe un modelo fijo de festival.
Lo que es tan genial de los festivales, los festivales nuevos, es que capturan por completo la complejidad y el entusiasmo del modo en que vivimos hoy día.
Muchas gracias.
[Aplausos]
https://www.ted.com/talks/david_binder_the_arts_festival_revolution/