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Charla «¿Por qué creo arte? Para construir cápsulas del tiempo para mi herencia» de TED2017 en español.
Kayla Briët crea arte que explora la identidad y el autodescubrimiento… y el miedo de que algún día su cultura pueda ser olvidada. Comparte cómo encontró su voz creativa y cómo reivindicó las historias de su herencia holando-indonesia, china e indígena estadounidense, volcándolas en cápsulas del tiempo con películas y música.
- Autor/a de la charla: Kayla Briët
- Fecha de grabación: 2017-04-24
- Fecha de publicación: 2017-11-17
- Duración de «¿Por qué creo arte? Para construir cápsulas del tiempo para mi herencia»: 356 segundos
Traducción de «¿Por qué creo arte? Para construir cápsulas del tiempo para mi herencia» en español.
Cuando tenía 4 años mi padre me enseñó la danza con aros del Pueblo de Taos, una danza tradicional nacida hace cientos de años en el suroeste de EE.UU.
Se crean una serie de aros de madera de sauce y se atan juntos para formar elementos del entorno natural y enseñar así las preciosidades de la vida.
En esta danza uno se mueve constantemente en círculo imitando el movimiento del Sol y el paso del tiempo.
Ver esta danza fue mágico para mí.
Como con una cápsula del tiempo, estaba echando un vistazo al pasado a través de una ventana cultural.
Sentía una profunda conexión con la manera que tenían mis antepasados de ver el mundo a su alrededor.
Desde entonces me han obsesionado las cápsulas del tiempo.
Vienen en muchas formas, pero lo que tienen en común es que a los seres humanos nos fascinan de una manera incontrolable, porque son portales hacia un recuerdo y tienen el importante poder de mantener vivas las historias.
Como cineasta y compositora, mi viaje consistió en encontrar mi voz, reivindicar los relatos de mi herencia y del pasado, y volcarlos en cápsulas del tiempo con películas y música para compartir.
Antes de contarles un poco cómo encontré mi voz, me gustaría compartir algo acerca de cómo me crié.
Crecí en el sur de California en un hogar multigeneracional que quiere decir que vivía bajo el mismo techo con mis padres, mis tíos y mis abuelos.
Mi madre es de origen holandés-indonesio y chino con padres inmigrantes, y mi padre es ojibwa y miembro inscrito en la tribu potawatomi de Prairie Band en el noreste de Kansas.
Así que un fin de semana aprendía a repulgar empanadas y el siguiente bailaba danzas tradicionales en alguna reunión, sumergida en los poderosos sonidos de tambores y cantantes.
Estar rodeada de muchas culturas era lo normal, pero también una experiencia muy desconcertante.
Fue muy difícil para mí encontrar mi voz, porque nunca me sentí lo bastante china, holandesa-indonesia o nativa.
Porque nunca me sentí parte de ninguna comunidad, intenté aprender las historias de mi herencia y conectarlas todas para redescubrir la mía propia.
El primer medio que sentí que me daba una voz fue la música.
Con capas de sonidos y múltiples instrumentos podía crear paisajes sonoros y mundos mucho más grandes que el mío.
A través de la música les invito a un portal sónico de mis recuerdos y emociones, y les enseño la suyas propias.
Uno de los instrumentos que más me gusta tocar es el guzheng, un instrumento chino parecido al arpa.
Mientras la danza de los aros tiene cientos de años, el guzheng tiene una historia de más de 2000 años.
Toco los estilos que influyen mucho en mí hoy, como música electrónica, con un instrumento que se usaba para tocar música folclórica tradicional hace mucho tiempo.
Y he notado una conexión interesante: la cítara está afinada a la escala pentatónica, una escala universalmente conocida en muchas partituras de música en todo el mundo, incluidas las canciones populares de los indios estadounidenses.
Tanto en el folk indígena como en el chino percibo este sonido inherente de anhelo y de aferrarse al pasado, una emoción que da un fuerte impulso a la música que creo hoy en día.
En su momento, me preguntaba si podría hacer aún más poderosa esta sensación de inmersión superponiendo música y efectos visuales…
efectos visuales e imágenes sobre la música.
Así que recurrí a tutoriales de Internet para aprender software de edición, fui a la universidad comunitaria para ahorrar dinero y creé películas.
Tras algunos años de experimentación, a mis 17 años tenía algo que quería contar y preservar.
Empezaba con una pregunta: ¿Qué pasa cuando se olvida una historia? Con esto comienza mi último documental «Humo que viaja» que sumerge a la gente en el mundo de la música, la canción, el color y la danza, mientras exploro mi miedo de que una parte de mi identidad, mi herencia indígena, sea olvidada con el tiempo.
Muchos idiomas indígenas están muriendo por la histórica asimilación forzada.
Desde el final del siglo XIX hasta el principio de los años 70, los nativos fueron obligados a ir a internados donde se les castigaba de manera violenta si mantenían sus costumbres tradicionales o hablaban sus idiomas nativos, la mayoría de los cuales se transmitían oralmente.
Al día de hoy, hay 567 tribus reconocidas de manera federal en EE.UU., cuando solía haber muchísimas más.
Según las palabras de mi padre: «Ser nativo no tiene nada que ver con llevar pelo largo trenzado.
No tiene que ver con plumas y abalorios.
Se refiere a la manera de posicionarnos en el mundo como seres humanos».
Tras viajar con esta película durante más de un año, conocí a indígenas de todo el mundo, desde los ainu de Japón, los saami de Escandinavia, hasta los maorís y muchos más.
Y todos estaban llevando a cabo la misma lucha por preservar su idioma y su cultura.
En este momento no solo comprendo el poder de la narración para conectarnos como seres humanos, sino también la responsabilidad que conlleva este poder.
Puede volverse increíblemente peligroso cuando nuestras historias son reescritas o ignoradas, porque cuando se nos niega la identidad, nos volvemos invisibles.
Somos todos narradores.
El reivindicar nuestras narrativas y el escuchar simplemente las de otros puede crear un portal que supere el tiempo mismo.
Gracias.
(Aplausos)
https://www.ted.com/talks/kayla_briet_why_do_i_make_art_to_build_time_capsules_for_my_heritage/