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Charla «Robert Legato: El arte de crear asombro» de TEDGlobal 2012 en español.
Rob Legato crea efectos cinematográficos tan buenos que, a veces, superan la realidad. En esta presentación agradable y graciosa, comparte su visión para mejorar la realidad en la pantalla en películas como Apolo 13, Titanic y Hugo.
- Autor/a de la charla: Rob Legato
- Fecha de grabación: 2012-06-26
- Fecha de publicación: 2012-08-17
- Duración de «Robert Legato: El arte de crear asombro»: 987 segundos
Traducción de «Robert Legato: El arte de crear asombro» en español.
Trabajé en la película Apolo 13 y mientras lo hacía, descubrí algo sobre cómo trabajan nuestros cerebros, y cómo este trabajo es tal, cuando estamos como inundados por entusiasmo o asombro o afecto o lo que sea, que se afecta y altera nuestra percepción de las cosas.
Cambia lo que vemos y recordamos.
Como un experimento, porque me di a la abrumadora tarea de recrear el despegue del Saturno V para esta película, porque todos lo iban a ver, me puse un poco nervioso y necesité hacer un experimento y llevar a un grupo de personas, como éste, a una sala de proyección y mostrarles estas imágenes de archivo, y cuando las proyecté, quería averiguar simplemente:
¿Qué recordaban?
¿Qué era inolvidable?
¿Qué debería realmente tratar de reproducir?
¿Qué debería tratar de imitar en cierto grado?
Estas son las imágenes que les mostré.
Y descubrí que debido al tipo de imágenes y al hecho de que estábamos filmado esta película, había una emoción incorporada a ellas y a nuestra memoria colectiva del significado de este despegue para nosotros y todo esto.
Cuando las mostré y les pregunté, justo después de la proyección, su opinión, cuáles eran las tomas que más recordaban, ellos las habían cambiado.
Ellos…
los estuve filmando…
tenían todo tipo de respuestas.
Las tomas estaban mezcladas y tuve curiosidad, es decir, me pregunté,
¿qué demonios vieron hace solo unos minutos y cómo llegaron a este tipo de descripción?
Y descubrí que no debería tratar de reproducir lo que vieron, sino lo que recordaban.
Estas son nuestras secuencias del despegue, basadas, principalmente, en nuestras notas, las opiniones de las personas, y entonces, la combinación de todas las diferentes tomas y cosas juntas crearon una especie de conciencia colectiva de lo que ellos recordaban había sido pero que realmente no lo era.
Entonces, esto es lo que creamos para Apolo 13.
(Ruidos del despegue) Lo que ven ahora, es literalmente la confluencia de un conjunto de diferentes opiniones y memorias, incluyendo la mía, con un cierto grado de libertad respecto al tema en cuestión.
Prácticamente filmé todo con lentes de corta distancia, lo que significa que uno está muy cerca a la acción, pero con un encuadre similar al de tomas con lentes de larga distancia lo que da una sensación de distancia, entonces, estaba creando algo que les recordaría lo que realmente nunca habían visto antes.
(Música) Y ahora les voy a mostrar exactamente a lo que reaccionaban en el mismo instante de su reacción.
(Música) Tom Hanks: Hola, Houston, este es el Odyssey.
Es un gusto volverlos a ver.
(Aplausos)
(Música) Rob Legato: Imagino que me aplauden.
(Risas)
Estoy ahora en un estacionamiento.
Eso no es más que una lata, y prácticamente estoy recreando el despegue con extintores y fuego.
Además puse cera frente a los lentes para que parezca hielo, entonces, si creyeron todo lo que les acabo de mostrar, a lo que estaban reaccionando, lo que les producía emoción, es algo totalmente falso, y lo encuentro realmente fascinante.
En este caso particular, esta es la parte culminante de la película y, saben, para lograrlo solo tuve que tomar un modelo, tirarlo de un helicóptero y filmarlo.
Y eso es simplemente lo que hice.
Ese soy yo filmando, y soy un operador bastante mediocre, y obtuve un buen grado de realismo, casi, ya saben, siguiendo al cohete en su caída, con el toque de realismo que estaba desesperadamente tratando de mantener en el encuadre.
Pasemos a lo siguiente.
Tuvimos a un consultor de la NASA que era un verdadero astronauta que realmente participó en algunas misiones del Apolo 15 y que estaba allí, principalmente, para verificar mis conocimientos científicos.
Supongo que alguien pensó que era necesario.
(Risas)
No sé por qué, pero así fue.
Entonces, allí estábamos, él es un héroe, un astronauta, y estamos entusiasmados, y bueno, me tomé la libertad de decir, ya saben, que algunas de mis tomas no eran tan malas.
Y quizás, ya saben, nos sentíamos más o menos bien al respecto.
Entonces, lo traje hasta aquí, y él tenía que verificar y ver lo que realmente estábamos haciendo, y, bueno, darnos la nota máxima de aprobación.
Entonces le mostré algunas de las tomas en las que estábamos trabajando esperando que su reacción fuese la que deseábamos, que es lo que obtuve.
(Música) (Ruidos del despegue) Entonces le mostré estas dos tomas, y me dijo lo que pensaba.
(«Está mal»)
(Risas)
Bueno.
(Risas)
Justo lo que sueñas escuchar.
(Risas)
Lo que sucedió fue que el volteó y me dijo: «Nunca, jamás, se diseña un cohete espacial así.
Un cohete espacial no subiría jamás al mismo tiempo en que se liberan los soportes.
¿Puedes imaginar la tragedia que podría ocurrir?
Nunca, jamás, se diseña un cohete espacial así».
Él me miraba y yo pensaba: creo que no te has dado dado cuenta, pero soy el chico en el estacionamiento recreando uno de los momentos más importantes de los Estados Unidos con extinguidores para incendios.
(Risas)
No voy a discutir contigo.
Tú eres un astronauta, un héroe, y yo solo vengo de Nueva Jersey y…bueno…
(Risas)
Solo te voy a mostrar unas secuencias.
Solo voy a mostrarte unas secuencias para que me digas lo que piensas.
Y entonces sí tuve la reacción que esperaba.
Le mostré esto, que son imágenes reales de una de las misiones en las que participó.
Este es el Apolo 15, su misión.
Entonces, le mostré esto, y obtuve una reacción interesante.
(«También está mal»)
(Risas)
Lo que sucedió, quiero decir, lo que pude intuir que sucedió fue que él lo recordaba de manera diferente.
Él recordaba un tipo de sistema de soportes completamente seguro, una nave espacial totalmente segura, porque él está sentado en una nave espacial de cientos de miles de de libras de empuje, construida por el postor más barato.
Por supuesto que esperaba que todo saliera bien.
(Risas)
(Aplausos)
Luego, él distorsionó su memoria.
Entonces, Ron Howard se cruza con Buzz Aldrin que no está en la película y no imagina que estamos simulando las secuencias, y él respondió simplemente como lo hubiera hecho, voy a mostrarlo.
Ron Howard: Buzz Aldrin se me acercó y me dijo: «Oye, la secuencia del lanzamiento, vi algunas tomas que nunca había visto antes,
¿En qué sótano las encontraron?
» Y yo le dije: «Bueno, en ningún sótano, Buzz, las hemos creado de cero».
Y él dijo: «
¿qué?
, son muy buenas.
¿Podemos usarlas?
» (Explosión) («Por supuesto»)
(Risas)
RL: Creo que es un gran estadounidense.
(Risas)
Titanic, si no conocen la historia, no tiene un final feliz.
(Risas)
Jim Cameron fotografió el verdadero Titanic.
Él prácticamente estableció o echó por tierra el prolongado escepticismo, porque lo que fotografió era el objeto real, sumergiéndose en un batiscafo Mir, en realidad dos batiscafos, hasta el lugar mismo del naufragio, creando esta secuencia inolvidable.
Es realmente hermosa y evoca todas estas diferentes y variadas emociones, pero él no pudo fotografiar todo.
Entonces, para contar la historia tuve que completar los vacíos, lo que es abrumador porque tengo que recrear una escena tras otra de lo que realmente sucedió y soy el único que realmente puede arruinarlo todo a esas alturas.
Esta es la secuencia que él fotografió, muy emotiva e impresionante.
Bueno, solo voy a pasarla, para que puedan captarlo más o menos y describiré lo que sentí cuando la vi por primera vez.
Sentí que mi cerebro quería en realidad ver al Titanic regresar a la vida.
Automáticamente quise ver la nave, esta maravillosa nave, en todo su esplendor, pero al mismo tiempo, quise verla en la situación contraria, es decir, como se ve en realidad.
Entonces, creé un efecto, luego les mostraré lo que quise hacer, que es el corazón de la película, para mí, y la razón por la que quise hacer la película, la razón por la que quise crear lo que creé.
Les mostraré, ya saben, otra cosa más que me pareció interesante, aquello que realmente nos emociona cuando lo ves.
Este es el detrás de cámaras, un par de escenas.
Entonces, cuando ven la secuencia que creé están viendo esto: un grupo de muchachos volteando un barco al revés, y los pequeños batiscafos Mir tienen, en realidad, el tamaño de pelotas de fútbol pequeñas, y lo filmé con humo.
Jim descendió tres millas y yo me alejé más o menos tres millas del estudio y fotografié esto en un garaje.
Y entonces, lo que los emociona, lo que están viendo, tiene el mismo sentimiento, la misma sensación inolvidable que la secuencia de Jim, y me pareció tan fascinante que nuestros cerebros, una vez que creen que algo es real, transfieran todo lo que te hace sentir, la calidad que uno le da y que es totalmente artificial.
Es totalmente simulado, pero para ustedes no lo es.
Y esto me pareció algo interesante de explorar y utilizar, y me empujó a crear el siguiente efecto que les mostraré, que es una forma de transición mágica, y todo lo que quería lograr era que la audiencia captara el efecto y que su experiencia fuese perfecta, no les mostraba mi interpretación, les mostraba lo que querían ver.
Y la siguiente toma, justo antes de esta…
pueden darse cuenta de lo que estaba haciendo Básicamente, si hay dos batiscafos en la misma toma yo la filmé, porque,
¿de qué cámara vendrían?
Y cuando Jim lo filmó, solo había un batiscafo, porque tomaba fotos desde el otro, y no recuerdo si fue Jim o yo quien hizo esto.
Vamos a decir que fue Jim, no le vendría mal una palmadita en la espalda.
(Risas)
Bueno.
Vamos ahora a la transición del Titanic.
Esto es a lo que me refería antes, quería pasar de un estado a otro del Titanic de una forma mágica.
Voy a pasar la toma una vez.
(Música) (Música) Y lo que quería era que se diluyera frente a Uds.
Gloria Stuart: Esa fue la última vez que el Titanic vio la luz del día.
RL: Entonces, realicé otra experiencia en la sala de visualización, donde hice un seguimiento de lo que veía, o donde veíamos, y, claro, están viendo a las dos personas en la proa del barco, y luego, en algún momento, cambié la periferia de la toma, convirtiéndola en los restos oxidados del barco, y entonces pasaría esa toma todos los días para encontrar el momento preciso en el que dejo de mirarlos y comienzo a darme cuenta del resto, y el momento en que mis ojos se mueven, lo marcamos en el fotograma.
El momento en que mis ojos se movieron, comencé inmediatamente a cambiarlas, de tal manera que ustedes no saben ahora cuándo empezó y cuándo terminó.
Vamos a verlo una vez más.
(Música) El cambio se hace literalmente usando lo que naturalmente nuestros cerebros hacen, que es, que tan pronto desvían su atención, algo cambia, y dejé la bufanda en movimiento porque quería una toma fantasmal, quería sentir como si aún estuvieran en los restos del barco, el lugar donde fueron enterrados para siempre o algo así, acabo de inventar eso.
(Risas)
Por cierto, esa fue también la última vez que vi la luz del sol fue una película larga de filmar.
(Risas)
Hugo también fue otra película interesante porque la película misma es sobre las ilusiones en las películas.
Trata del cómo se engaña al cerebro para ver una visión persistente que crea una película, y una de las cosas que tuve que hacer, Sasha Baron Cohen es un muchacho muy inteligente, muy listo un comediante, él quería rendir un homenaje al humor físico de Buster Keaton y quería que el soporte de su pierna se enganchara a un tren en movimiento.
Algo muy peligroso, casi imposible de recrear, y en especial en nuestro set, porque literalmente no hay forma de mover el tren, porque cabe a las justas.
Voy a mostrarles la escena, y entonces simplemente utilicé el truco identificado por Sergei Eisenstein: cuando una cámara se mueve con un objeto en movimiento lo que no se mueve pareciera que sí lo hiciera y lo que se mueve pareciera quieto.
así, lo que ven en realidad es al tren que no se mueve para nada y al piso, que sí lo hace.
Esta es la escena.
Es un video de lo que ven allí, que es nuestra prueba, así que, eso es lo que realmente ven, y pensé que era algo interesante porque parte del homenaje de la película era mostrar este tipo de truco genial del que no puedo tomar crédito.
Me encantaría, pero no puedo, porque fue inventado en 1910 más o menos, como le dije a Marty, y es uno de esos trucos mentales que son difíciles de comprender hasta que no se ven en acción y, ya saben, le dije a Marty lo que iba a hacer, y me dijo: «A ver, entonces, déjame ver si lo tengo claro, la cosa con ruedas,
¿esa no se mueve?
»
(Risas)
(Aplausos)
«Y la cosa sin ruedas, eso sí se mueve».
Exactamente.
(Risas)
Vamos a lo siguiente y último…
Marty no va a ver esto
¿verdad?
(Risas)
Esto no se ve fuera de…
(Risas)
El siguiente ejemplo es parte de la teoría de filmación en una sola toma.
Es una forma muy elegante de contar una historia, especialmente si estas siguiendo a alguien en un viaje, y ese viaje básicamente dice algo sobre su personalidad de una manera muy concisa; lo que queríamos hacer se basa en una toma de «Goodfellas», que es una de las más grandes tomas que existen, una película de Martin Scorsese, en donde se sigue a Henry Hill en una caminata que un gangster haría pasando a través del Copacabana recibiendo un trato especial.
Es el amo de su universo, y queríamos que Hugo se sintiera igual, por lo que creamos esta toma.
(Música) Ese es Hugo.
(Música) Y sentimos que si podíamos mover la cámara con él podríamos sentir lo que se siente ser este niño que es prácticamente el amo de su universo, y su universo, ya saben, está detrás de las escenas en las entrañas de esta estación de tren donde solo él puede moverse así, y teníamos que hacer sentir que esto era normal, su vida diaria, entonces la idea de hacerlo en una sola toma era muy importante, y por supuesto, cuando se filma en 3D, se usa una gran cámara que cuelga de un soporte gigante, entonces debíamos recrear una filmación con una cámara fija y hacer que cause la misma reacción de cuando vieron la escena de «Goodfellas».
Lo que ahora van a ver es cómo lo hicimos realmente.
En realidad son cinco sets diferentes filmados en cinco momentos diferentes, con dos niños diferentes.
El de la izquierda es donde termina la toma, el de la derecha donde se hace el relevo y ahora cambiamos a los niños, pasamos de Asa Butterfield, estrella de la película, a su doble.
(Música) No el doble de riesgo.
Vemos una torre enorme que construimos para la toma.
(Música) Esto es así, y ahora estamos en el tercer set y luego vamos hacia, en realidad el último momento de la escena es realmente una toma con una cámara fija.
Todo lo demás se filmó con grúas o aparatos similares, y literalmente se hizo en cinco sets diferentes, con dos niños diferentes, en tiempos diferentes y todo debía de verse como una única toma, y me pareció genial que la toma fue, probablemente, la toma con las mejores críticas en la que trabajé y, ya saben, me sentía algo orgulloso luego de finalizarla pero uno nunca debe sentirse orgulloso, eso creo.
Así que estaba algo orgulloso de la toma, y fui a ver a un amigo y le dije: «Sabes, esto es, ya sabes, esta es la toma con las mejores críticas en la haya trabajado.
¿Cuál crees que fue la razón?
» Y él dijo: «Porque nadie sabe que tú estás involucrado».
(Risas)
Bueno, solo me queda decir, gracias, y esta es mi presentación.
(Aplausos)
.
(Aplausos)
https://www.ted.com/talks/rob_legato_the_art_of_creating_awe/